Desde los sacrificios personales de los primeros realizadores hasta una actividad que hoy genera empleos, inversión, formación profesional y presencia internacional, la Ley 108-10 cambió la escala del cine dominicano. El reto ahora es sostener ese crecimiento y recuperar con más fuerza al público local.

En 1988, cuando Agliberto Meléndez llevó a las salas Un pasaje de ida, en República Dominicana no existían incentivos fiscales para el cine, fondos públicos especializados ni una estructura capaz de acompañar una producción desde su financiamiento hasta su distribución.

Hacer una película era una apuesta personal. Y, en muchos casos, también económica.

Meléndez asumió grandes sacrificios para materializar una obra inspirada en la tragedia del Regina Express, ocurrida en 1981, cuando un grupo de polizones dominicanos murió asfixiado mientras intentaba salir del país. La película mostró que aquí se podía hacer cine con rigor técnico, contenido social y ambición artística, aun sin una industria que respaldara a sus creadores.

Siete años después, Ángel Muñiz probó otra cosa: que una producción dominicana también podía conectar masivamente con el público.

Nueba Yol: ¡Por fin llegó Balbuena!, estrenada en 1995 y protagonizada por Luisito Martí, convirtió la migración, la nostalgia y las contradicciones de la diáspora en un fenómeno de taquilla. Si Meléndez había defendido la dignidad artística del cine local, Muñiz ayudó a demostrar su potencial comercial.

Ambos trabajaron en una época en la que producir una película dependía siempre de la insistencia de sus realizadores. Había talento, historias y público. Faltaba un sistema.

Ese sistema comenzó a tomar forma el 29 de julio de 2010, con la promulgación de la Ley No. 108-10 para el Fomento de la Actividad Cinematográfica.

Dieciséis años después, el país no solo produce películas. Cuenta con una actividad audiovisual que mueve técnicos, empresas, universidades, hoteles, transporte, construcción, tecnología, servicios y capital privado.

La transformación es evidente. También lo son sus contradicciones.

Antes de la ley, República Dominicana era escenario, pero no industria

Mucho antes de contar con un marco legal para el cine, el territorio dominicano ya había atraído producciones extranjeras.

Varias escenas ambientadas en Cuba para El padrino II fueron rodadas en Santo Domingo, colocando al país dentro de una de las obras más influyentes del cine estadounidense. En 1977, la selva dominicana sirvió de escenario para buena parte del difícil rodaje de Sorcerer, dirigida por William Friedkin, responsable también de El Exorcista y The French Connection.

La producción de Sorcerer pasó a la historia por sus accidentes, retrasos, dificultades climáticas y enormes exigencias técnicas. Más que consolidar una industria local, aquel rodaje reveló el potencial visual del país y, al mismo tiempo, las limitaciones de trabajar sin una infraestructura audiovisual desarrollada.

Cabe mencionar como dato personal, que gracias que mi padre Pericles Mejía era pieza importante en la producción de esa película en el país, el día de mi cumpleaños, recibí mi primera bicicleta, un regalo del director y la producción, quienes se sentían agustos rodando en el país.

Algo similar pero no tan positivo ocurrió con Havana, dirigida por Sydney Pollack y protagonizada por Robert Redford. La película, estrenada en 1990, recreó en Santo Domingo los últimos días del régimen de Fulgencio Batista, debido a que las restricciones estadounidenses impedían realizar la producción en Cuba.

El rodaje dejó una importante actividad económica, pero también enfrentó complejidades logísticas y choques propios de una producción de gran escala en un país que todavía no contaba con una cadena cinematográfica organizada y el caos ocurrido en ese particular momento, costó que entráramos en una lista negra por varios años entre los productores de Hollywood.

República Dominicana podía ofrecer calles, arquitectura colonial, playas, montañas y selvas. Lo que aún no podía garantizar era una plataforma estable para producir.

Técnicos empíricos y jóvenes que estudiaban contra la corriente

La falta de estructura también se reflejaba detrás de las cámaras.

Antes de la Ley de Cine, la mayoría de los técnicos dominicanos se había formado de manera empírica. Aprendían trabajando en televisión, comerciales, publicidad, videos musicales y producciones extranjeras. Algunos tuvieron la oportunidad de viajar y estudiar fuera del país, pero para la mayoría el rodaje era la escuela.

No había una ruta académica clara ni garantías de empleo. Elegir el cine como profesión implicaba asumir un riesgo que muchas familias no entendían.

Durante años, quienes querían estudiar cinematografía tenían que enfrentarse a una pregunta recurrente: “¿De qué vas a vivir?”.

Ese panorama cambió con la expansión del sector. Hoy existen programas vinculados con el cine y la comunicación audiovisual en instituciones como la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD), el Instituto Tecnológico de Santo Domingo (INTEC), la Universidad APEC (UNAPEC), la Universidad Iberoamericana (UNIBE), la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra (PUCMM) y CHAVÓN La Escuela de Diseño.

La formación dejó de depender únicamente de la práctica y comenzó a incluir guion, producción, dirección, sonido, fotografía, montaje, postproducción, gestión y comercialización.

Según una estadística de la Oficina Nacional de Estadística (ONE), elaborada con datos del Ministerio de Educación Superior, Ciencia y Tecnología (MESCyT) correspondientes a 2022, en la carrera de Cinematografía había 1,079 estudiantes matriculados: 549 mujeres y 530 hombres.

Ese mismo año se registraron 117 egresados, de los cuales 74 eran mujeres y 43 hombres.

El dato muestra no solo el crecimiento de la formación académica, sino también la presencia cada vez mayor de mujeres en el sector. Todo indica que la cantidad de estudiantes y egresados ha aumentado considerablemente en la actualidad, aunque el total más reciente deberá confirmarse cuando se publique una nueva actualización oficial.

El punto de quiebre

La Ley No. 108-10 fue promulgada el 29 de julio de 2010. Su Reglamento de Aplicación se aprobó el 21 de junio de 2011, mediante el Decreto No. 370-11.

Con ese marco se organizaron instituciones, registros e incentivos que permitieron atraer inversión y formalizar una actividad que hasta entonces había dependido de esfuerzos dispersos.

La ley fortaleció el papel de la Dirección General de Cine (DGCINE), estableció el Sistema de Información y Registro Cinematográfico Dominicano (SIRECINE) e impulsó mecanismos como el Fondo de Promoción Cinematográfica (FONPROCINE).

También incorporó dos incentivos fundamentales.

El Artículo 34 favorece la inversión privada en largometrajes dominicanos certificados. El Artículo 39, por su parte, permite otorgar un crédito fiscal transferible a producciones nacionales o extranjeras que realizan gastos calificados en el país.

La ley no produjo por sí sola directores, actores o historias. Ese talento ya existía. Lo que hizo fue crear condiciones para que filmar dejara de ser un hecho aislado y comenzara a convertirse en una actividad económica organizada.

De acuerdo con el listado de producciones rodadas suministrado por la DGCINE, entre 2011 y 2025 se registraron 1,039 producciones audiovisuales en República Dominicana. De ese total, 493 figuran vinculadas al Artículo 34, 93 al Artículo 39 y 453 aparecen como no aplicables a esos incentivos.

El registro incluye mucho más que largometrajes. Aparecen documentales, series, realities, comerciales, programas de televisión, videos y otros formatos audiovisuales.

En 2011 se contabilizaron apenas 6 producciones. En 2017 ya eran 99. Para 2021, el número llegó a 101, y en 2022 alcanzó su punto más alto, con 124 proyectos rodados. En 2023 se mantuvo en un nivel elevado, con 119.

El salto no se explica únicamente por la llegada de más películas.

Cada rodaje necesita transporte, alimentación, alojamiento, seguridad, carpintería, pintura, construcción, vestuario, maquillaje, equipos, electricidad, edición y personal administrativo. Una producción puede contratar servicios de decenas de empresas que, a primera vista, no parecen vinculadas con el cine.

Ahí está una parte importante del impacto de la ley: la actividad audiovisual comenzó a extenderse fuera del set.

El principal resultado de la Ley de Cine no puede resumirse en una película ni en una cifra.

Su impacto está en la aparición de una cadena que antes no existía de manera estable.

La producción se hizo más frecuente. Los inversionistas encontraron un marco fiscal. Los profesionales comenzaron a registrarse. Los técnicos ganaron experiencia en proyectos de mayor escala. Las universidades abrieron programas y el país se volvió más competitivo como destino de rodajes.

También cambió la percepción social de la profesión.

Estudiar cine ya no parece necesariamente una aventura sin futuro. Hoy puede conducir a trabajos en producción, publicidad, televisión, plataformas digitales, animación, sonido, fotografía, edición y contenidos para redes.

Sin embargo, la profesionalización sigue siendo desigual. Muchos empleos dependen de la duración de cada proyecto, no todas las producciones tienen la misma capacidad financiera y el crecimiento de la oferta académica no garantiza una inserción laboral inmediata.

La industria existe, pero todavía está madurando.

La próxima discusión

Después de dieciséis años, ya no está en debate si la ley aumentó la producción. Los registros y números que hemos visto en los medios a través de los años muestran que lo hizo.

La discusión ahora debe ser más exigente.

¿Se están produciendo mejores películas? ¿Llegan a suficientes salas? ¿Pueden competir fuera del país? ¿Los técnicos encuentran continuidad laboral? ¿La inversión pública y los incentivos producen un retorno cultural y económico proporcional? ¿El público dominicano siente que esas historias lo representan?

El futuro del sector dependerá menos de aumentar el número de rodajes y más de mejorar su impacto.

Eso supone fortalecer la distribución, ampliar las coproducciones, apoyar la escritura de guiones, formar nuevos públicos, conservar el patrimonio audiovisual y publicar estadísticas que permitan evaluar los resultados con mayor precisión.

También requiere reconocer que el éxito comercial y el valor cultural no siempre avanzan juntos. Una cinematografía saludable necesita películas capaces de llenar salas, pero también documentales, óperas primas, animación, cine de autor y obras que preserven la memoria del país.

Una industria con presente y futuro

La Ley 108-10 cambió la escala del cine dominicano. Permitió producir con mayor frecuencia, dio estructura al sector y abrió nuevas oportunidades para realizadores, técnicos, actores, estudiantes, empresas e inversionistas.

Su importancia no se limita a la cantidad de películas realizadas. También se refleja en la formación de profesionales, la llegada de rodajes internacionales, la creación de empleos, el crecimiento de empresas audiovisuales y la posibilidad de que más historias dominicanas encuentren un espacio en la pantalla.

Los pioneros demostraron que en República Dominicana se podía hacer cine aun cuando no existían las condiciones. La ley ayudó a crear esas condiciones y permitió que aquel esfuerzo individual se transformara en una actividad organizada, capaz de crecer y competir.

Dieciséis años después, todavía quedan desafíos en distribución, calidad, formación de públicos y circulación internacional. Pero el punto de partida es completamente distinto. Hoy existe una generación preparada, una estructura institucional, una experiencia técnica acumulada y una comunidad cinematográfica que continúa ampliándose.

El cine dominicano ya no depende únicamente de actos heroicos ni de apuestas aisladas. Cuenta con una base desde la cual puede seguir avanzando, renovándose y llevando sus historias más lejos.

La Ley de Cine no fue el inicio de la creatividad dominicana, pero sí ayudó a convertirla en una industria con presente y futuro. Y quizás ese sea su logro más importante: haber demostrado que nuestro cine no solo podía hacerse, sino también crecer, fortalecerse y ocupar un lugar propio dentro y fuera de la República Dominicana.

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El director, guionista y productor Isaac Morantus acaba de alcanzar un importante logro para el cine dominicano al convertirse en el primer dominicano seleccionado para BAMMERS, el programa de formación del Bogotá Audiovisual Market (BAM), considerado uno de los mercados audiovisuales más importantes de América Latina.

La selección adquiere un significado especial porque BAMMERS 2026 abrió por primera vez su convocatoria a participantes internacionales con el apoyo de Netflix. De las 105 postulaciones recibidas desde 13 países, solo 40 profesionales fueron escogidos para integrar el programa: 20 colombianos y 20 internacionales. Entre ellos estuvo Morantus, quien representó a la República Dominicana con su segundo largometraje de ficción en desarrollo, “No Fue en Balde”.

La participación dominicana en el Bogotá Audiovisual Market no es nueva. En años anteriores, cineastas nacionales asistieron al mercado gracias a iniciativas de la Dirección General de Cine (DGCINE) y otros programas de apoyo a la internacionalización. Sin embargo, el caso de Isaac Morantus marca un precedente distinto: es el primer dominicano seleccionado oficialmente para BAMMERS, el programa de formación del mercado, tras la apertura de su convocatoria internacional en 2026.

Más que asistir al mercado como un acreditado, el cineasta dominicano formó parte de un proceso de formación diseñado para preparar proyectos con potencial internacional. Durante varias semanas recibió mentorías sobre producción, coproducción, financiamiento y estrategias para presentar su película ante productores, distribuidores e inversionistas.

Uno de los aspectos que Morantus considera más valiosos de la experiencia fue el trabajo realizado sobre el pitch de “No Fue en Balde”.

Aunque el término es muy conocido dentro de la industria cinematográfica, fuera de ese entorno pocas personas saben realmente qué significa. Un pitch es la presentación con la que un realizador “vende” su proyecto ante posibles productores, fondos de financiamiento, distribuidores o plataformas interesadas en convertir una historia en una película. En mercados como el BAM, una buena presentación puede marcar la diferencia entre conseguir una oportunidad de financiamiento o regresar a casa con un proyecto que aún debe seguir esperando.

“Lo más valioso fue entender cómo presentar un proyecto de manera más estratégica. Las mentorías me ayudaron a mejorar mi pitch, a comprender mejor el funcionamiento de la industria internacional y a llegar al mercado con objetivos mucho más claros”, explicó Morantus.

BAMMERS 2026

Una historia sobre sueños, música y diferencias sociales

El proyecto con el que participó en BAMMERS lleva por título “No Fue en Balde”, una comedia dramática romántica con temática musical que actualmente se encuentra en la etapa final de escritura del guion.

La película narra la historia de Brenda, una joven de clase alta que sueña con convertirse en rapera, y Miguel, un muchacho de origen humilde decidido a triunfar como actor. Cuando sus caminos se cruzan descubren que cada uno posee aquello que el otro necesita para acercarse a sus sueños. Sin embargo, el éxito comienza a poner a prueba su relación y los obliga a enfrentar decisiones que cambiarán sus vidas.

Aunque no está inspirada en hechos reales, la historia toma elementos de la realidad que viven muchos jóvenes dominicanos, abordando temas como las diferencias sociales, la búsqueda de oportunidades y el costo de perseguir los sueños.

Con el guion en su etapa de afinamiento, el siguiente paso será buscar financiamiento y posibles coproductores internacionales para hacer realidad la película.

El mercado abrió nuevas oportunidades

Además de las mentorías, la participación de Isaac Morantus en el Bogotá Audiovisual Market le permitió sostener reuniones con productores colombianos y distribuidores de España, Brasil, Francia, Colombia y Ecuador, con el objetivo de presentar “No Fue en Balde” y explorar futuras alianzas para el proyecto.

Aunque todavía no existen acuerdos cerrados, el realizador confirmó que varias de esas conversaciones continúan avanzando y podrían convertirse en futuras coproducciones o acuerdos de distribución.

Su paso por el mercado también dejó nuevas oportunidades profesionales. Recibió una invitación para postular sus cortometrajes a Bogoshorts, uno de los festivales de cortometrajes más importantes de Colombia, además de otra para participar en MIP Cancún, uno de los principales mercados de contenido y coproducción de Latinoamérica.

“Cada mercado confirma que las historias dominicanas tienen espacio en la conversación internacional. Ahora el reto es seguir construyendo alianzas que permitan que esos proyectos lleguen a realizarse y encuentren audiencias”, afirmó.

Una carrera en crecimiento

Fundador de El Güeso Films, Isaac Morantus ha desarrollado su carrera como director, productor, guionista y editor. Su trabajo ha sido reconocido en festivales nacionales e internacionales, obteniendo premios como Mejor Cortometraje y Mejor Edición en los Premios La Silla.

Actualmente también trabaja en la postproducción de “Camina Ven”, su primer largometraje de ficción. La película nació en 2024 como un cortometraje de comedia romántica y fue el único proyecto de la región del Cibao en ganar el concurso Keep Walking Films, impulsado por Johnnie Walker. Su historia sigue a Ender, un joven que emprende un viaje improvisado junto a su mejor amigo Víctor para declararle su amor a una chica antes de que ella emigre del país.

Con “Camina Ven” en postproducción y “No Fue en Balde” dando sus primeros pasos en el circuito internacional de mercados audiovisuales, Isaac Morantus continúa consolidando una carrera que apuesta por llevar nuevas historias dominicanas a escenarios cada vez más competitivos.

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El cine dominicano ya no necesita demostrar que existe. Las estadísticas de 2025 hablan de una actividad constante, con 57 proyectos rodados, 37 películas nacionales estrenadas y más de tres millones de visitas a las salas.

La nueva infografía publicada por la Oficina Nacional de Estadística (ONE), con información de la Dirección General de Cine (DGCINE), la Oficina Nacional de Derecho de Autor (ONDA) y otras instituciones, permite mirar más allá de los estrenos. Detrás de cada película hay empleos, empresas, servicios contratados y profesionales que han convertido el cine en su oficio.

Una producción impulsada desde el país

Durante 2025 se rodaron en República Dominicana 57 proyectos cinematográficos que aplicaron a la Ley de Cine. De ellos, 50 fueron nacionales y 7 extranjeros.

Es decir, cerca del 88 % correspondió a proyectos dominicanos.

El dato es importante porque muchas veces pensamos en la industria a partir de las grandes producciones internacionales que llegan al país. Sin embargo, buena parte de la actividad cotidiana descansa sobre el cine nacional.

Quienes han estado cerca de un rodaje saben que su impacto no se limita al director, los actores o el productor. Una película contrata técnicos, transportistas, servicios de alimentación, alquileres, hospedaje, seguridad, construcción, vestuario y proveedores de distintas áreas. Durante semanas o meses, el presupuesto circula dentro de una red mucho más amplia que el equipo visible en pantalla.

Todavía sería necesario conocer cuánto se invirtió y cuántos empleos se generaron. Contar proyectos es útil, pero medir su impacto económico permitiría entender mejor lo que el cine aporta al país.

Una cartelera dominicana cada vez más diversa

En 2025 se estrenaron 37 películas dominicanas. Hace algunas décadas, la llegada de una producción nacional a las salas era un acontecimiento aislado. Hoy forma parte habitual de la cartelera.

También ha cambiado la oferta. Aunque la comedia mantiene una presencia importante, ahora convive con dramas, documentales, suspenso, cine de autor y producciones de realizadores emergentes.

He visto transformarse la conversación. Antes celebrábamos que una película lograra terminarse y estrenarse. Ahora también hablamos de su campaña, su permanencia en cartelera y las posibilidades de circular en festivales, mercados y plataformas.

Eso no significa que el camino esté resuelto. Con una producción más constante, cada película necesita identificar a su audiencia y explicar por qué merece ser vista. La conexión con el público no se consigue únicamente pidiendo apoyo: se construye con promoción, disponibilidad y una estrategia que acompañe la obra más allá de su estreno.

Más de tres millones de visitas a las salas

La República Dominicana contó en 2025 con 25 complejos cinematográficos y 163 pantallas. En ellas se exhibieron 333 películas nacionales y extranjeras, se registraron 3,037,119 visitas y se recaudaron aproximadamente RD$1,046 millones.

En tiempos de plataformas y consumo desde el hogar, que más de tres millones de personas hayan visitado las salas confirma que el cine continúa siendo una experiencia importante para el público dominicano.

El cortometraje encuentra un nuevo impulso

Uno de los datos más llamativos corresponde a los cortometrajes registrados ante la ONDA. La cifra pasó de 132 en 2024 a 261 en 2025, un crecimiento cercano al 98 %.

Algo está ocurriendo entre los nuevos realizadores. Universidades, festivales y muestras reciben cada vez más trabajos de jóvenes que utilizan el cortometraje para adquirir experiencia, probar nuevas narrativas y comenzar a presentar sus historias.

El aumento corresponde a obras registradas y no necesariamente a todos los cortos producidos, pero revela una mayor actividad y conciencia sobre la protección de la autoría.

Los guiones cinematográficos registrados, en cambio, pasaron de 22 en 2024 a 8 en 2025. No podemos concluir que se estén escribiendo menos historias, pero la cifra recuerda que una industria comienza mucho antes del rodaje: comienza con una idea bien desarrollada y protegida.

Una nueva generación se prepara

La transformación del sector también puede observarse en las aulas. En 2022, las carreras de Cinematografía reunían a 1,079 estudiantes: 549 mujeres y 530 hombres.

Ese mismo año egresaron 117 profesionales, entre ellos 74 mujeres y 43 hombres. Las mujeres representaron alrededor del 63 % de los egresados.

Que más de mil jóvenes eligieran estudiar cine habría sido difícil de imaginar años atrás. Ahora el desafío es conseguir que esa formación encuentre oportunidades reales dentro del mercado y que la presencia femenina también se refleje en los equipos y puestos de decisión.

Más que películas

Producir también se volvió más costoso. El Índice de Precios al Productor de las actividades audiovisuales alcanzó 154.01 puntos en 2025, con una variación de 5.62 % en doce meses. El aumento ejerce presión sobre equipos, transporte, alimentación, materiales y posproducción, especialmente en proyectos independientes.

Aun con estos desafíos, las cifras muestran una industria activa, formada mayoritariamente por proyectos nacionales y acompañada por una nueva generación de profesionales.

La Ley 108-10 para el Fomento de la Actividad Cinematográfica ayudó a construir una estructura donde antes predominaban los esfuerzos individuales. Más de una década después, el resultado no se mide únicamente en películas: también se encuentra en los empleos, las empresas creadas y la experiencia acumulada por los equipos dominicanos.

Y hay otro aporte que ninguna tabla puede explicar por completo. El cine conserva nuestra manera de hablar, nuestros espacios y la memoria de una sociedad que cambia. Nos permite contar el país desde aquí y presentar una imagen más amplia de la República Dominicana ante el mundo.

La conversación ya no es si podemos hacer cine. Eso está demostrado. Ahora debemos lograr que nuestras historias circulen mejor, encuentren a su público y continúen generando oportunidades para quienes decidieron hacer de esta industria su profesión.

Infografía sobre Estadísticas de Cine

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José Rafael Sosa

CALGARY, Alberta, Canadá. Junio de 2026 ha resultado uno de los meses más activos para el cine dominicano, con festivales emergentes, ciclos especializados, muestras internacionales y exhibiciones permanentes en diversos espacios culturales de Santo Domingo.

Esta situación se produce luego de un enero y febrero que acogieron el XVII Festival de Cine Global Santo Domingo (Funglode), y de un mes de mayo que lanzó una gran y nueva oferta. Esta última constó tanto de 16 largometrajes (12 de ficción y cuatro documentales) como de 32 cortometrajes universitarios, con algunas piezas que proclaman el paso firme de directores emergentes.

Con todo, junio de 2026 puede considerarse uno de los meses de mayor densidad de actividades cinematográficas culturales en la historia reciente de la República Dominicana, con una oferta que abarca desde el cine dominicano emergente hasta las más recientes producciones iberoamericanas e internacionales.

Tendencias destacadas

• La consolidación del cortometraje como formato artístico gracias a KINETIQ.
• El crecimiento de la formación audiovisual mediante talleres y clases magistrales.
• Una mayor presencia del cine iberoamericano en las carteleras culturales.
• La democratización tecnológica impulsada por Smart Films Dominicana.
• La expansión de los espacios alternativos de exhibición más allá de las salas comerciales.
• El fortalecimiento de la cooperación internacional entre República Dominicana, Europa, Israel y América Latina.

El cine de grandes salas

Junio

Dominicanas

Qué más puedes hacerme

Dirigida por Félix Germán, con Yasser Michelén, Marta González y Dalisa Alegría. Es un drama realizado con pasión y buen criterio que entró formalmente a las salas comerciales el pasado 4 de junio.

Bajo el mismo sol

Dirigida por Ulises Porra, protagonizada por Jean Jean, el español David Castillo y la japonesa Valentina Shen Wu. Es un drama histórico hecho a conciencia como coproducción entre República Dominicana y Argentina.

La corta vida de las flores

Dirigida por Pablo Lozano, película que resultó la máxima ganadora en la selección del FICFA Hecho en RD 2026.

Julio

Marileidy

Del director Tito Rodríguez. Un drama deportivo protagonizado por Yisneidy Alcántara interpretando a Marileidy Paulino.

Elena y el Mar

También de Tito Rodríguez, con Ruth Emeterio, Niurka Mota, Stuart Ortiz y Escarlet Alburquerque. Producida por La Aldea.

La resistencia de los Ramírez

De Brahyam Humphreys, definida como una comedia/sátira familiar.

De tal palo tal astilla

Dirigida por Frank Perozo. Estrenó el 5 de marzo y continúa proyectándose durante su cuarto mes en cartelera.

Internacionales (Junio)

Amos del Universo (Masters of the Universe)

El regreso a la acción real de la mítica franquicia de He-Man.

El día de la revelación (Disclosure Day)

Nueva propuesta de ciencia ficción y suspenso del aclamado director Steven Spielberg, protagonizada por Emily Blunt.

Toy Story 5

La icónica franquicia de Pixar regresa con una nueva aventura de Woody y Buzz Lightyear, dirigida por Andrew Stanton.

Supergirl

Nueva adaptación del universo DC, protagonizada por Milly Alcock y dirigida por Craig Gillespie.

Internacionales (Julio)

Minions & Monstruos (Minions & Monsters)

Nueva entrega de animación de Illumination Entertainment.

Normal

Thriller de acción y crimen dirigido por Ben Wheatley y protagonizado por Bob Odenkirk y Henry Winkler.

Cine en streaming

Netflix

Te encontraré (I Will Find You)

Serie basada en la novela de Harlan Coben, protagonizada por Sam Worthington.

The Killer (Remake estadounidense – 2024)

Dirigida por John Woo, con Nathalie Emmanuel, Omar Sy y Sam Worthington.

KINETIQ by Cinéate

El acontecimiento cinematográfico más novedoso del mes es KINETIQ by Cinéate, un festival dedicado exclusivamente al cortometraje y dirigido por Taína Rodríguez y el proyecto Cinéate.

El festival ofrece 80 cortometrajes, de los cuales 73 participan en competencia. Incluye producciones de Chile, Francia, Japón, Perú, Alemania, Italia y Cuba.

Actividades destacadas

• Competencia oficial de cortometrajes.
• Conversatorios y encuentros profesionales.
• Talleres de formación audiovisual.
• Charla sobre postproducción sonora impartida por Victoria Mercedes.
• Conferencia Cien años de cine dominicano en imágenes, a cargo de Desiree Reyes Peña.
• Muestra Europea 2026.
• Cine al aire libre junto a la Cinemateca Dominicana en la Fortaleza Ozama.

Smart Films Dominicana / Smart Film Fund

La actriz, productora y gestora cultural Evelyna Rodríguez y el director y actor Danilo Reynoso impulsan la segunda edición de Smart Films Dominicana.

La iniciativa promueve:

1. Formación de jóvenes realizadores.
2. Producción de contenidos audiovisuales de bajo presupuesto.
3. Promoción de nuevos talentos.
4. Desarrollo de capacidades técnicas mediante dispositivos móviles.
5. Creación de una cantera de cineastas emergentes.

Centro Cultural Banreservas: epicentro del cine alternativo

El V Ciclo de Cine Dominicano 2026 ha ratificado su condición de promotor del cine clásico y contemporáneo dominicano.

Su director y gerente de cultura, Mijail Peralta, desarrolla una programación que incluye:

• Clase magistral de la cineasta argentina María Aparicio.
• Taller permanente Actuar y Rodar, impartido por Robert Lizardo y Suzette Reyes.
• Muestra de cortometrajes seleccionados por Diego Cepeda y Julia Scrive-Loyer.

Cinemateca Dominicana

La Muestra de Cine Iberoamericano 2026 presenta:

Centro Cultural de España

Desarrolla junto a la Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica (ADOPRESCI) y la Cinemateca Dominicana el ciclo Miradas de España, dedicado al cine español contemporáneo y clásico.

Museo Memorial de la Resistencia

Mantiene sus tradicionales ciclos de cine histórico y documental orientados a la memoria democrática, los derechos humanos y los procesos políticos latinoamericanos.

Ciclo de Cine de Israel

Durante junio se desarrolló el tradicional Ciclo de Cine Israelí en el complejo Downtown Center de Caribbean Cinemas, organizado con el apoyo de la Embajada de Israel.

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José Rafael Sosa

SANTO DOMINGO. El VI Festival de Cine Fine Arts Hecho en RD ha concluido, ratificando con creces su carácter como el principal escenario de lanzamiento para los proyectos más recientes y de mayor calidad de la industria audiovisual dominicana. En esta sexta edición, el certamen volvió a poner un énfasis vibrante en el talento emergente, celebrando las miradas de jóvenes directores, productores y profesionales que refrescan las pantallas tanto en el plano técnico como en el actoral.

Más que la simple exhibición de 16 largometrajes, esta entrega ha sido una constatación de madurez cinematográfica: al menos diez de las obras presentadas exhiben una calidad sobresaliente gracias a la solidez de sus guiones, el rigor de sus actuaciones, una notable factura técnica y una perspectiva artística renovada.

Este espacio permitió comprobar la creatividad dominicana, desplegando una panorámica cargada de variedad temática, diversidad de géneros y un innegable atractivo para el público.

La notable muestra de realizadores que presentaron sus proyectos en esta ocasión incluye a figuras clave de la renovación cinematográfica, junto a creadores con una trayectoria consolidada y amplia experiencia en el sector.

Una evolución histórica

Para dimensionar el valor actual de este festival, resulta imprescindible revisar sus raíces. El concepto original nació en 2010 como el Festival Internacional de Cine Fine Arts, una iniciativa de Caribbean Cinemas que abrió una ventana inédita para el cine de autor y el circuito independiente internacional en el complejo Novo Centro.

Sin embargo, los desafíos también imponen transformaciones. En 2021, tras la parálisis cultural global provocada por la pandemia de la COVID-19, el evento se reinventó estratégicamente, redirigiendo su enfoque principal hacia la producción local bajo el sello Hecho en RD.

Esta evolución no habría sido posible sin un engranaje institucional y privado ejemplar. Organizado por Caribbean Cinemas, el festival cuenta con el respaldo principal de Altice, el copatrocinio del Banco BHD y el apoyo decisivo de la Dirección General de Cine (DGCINE).

A ello se suma una alianza fundamental con la academia, integrada por la UASD, PUCMM, Chavón, UNIBE y UNAPEC.

Este tejido colaborativo ha protegido y fortalecido el objetivo fundacional del evento: impulsar, proyectar y respaldarel potencial cinematográfico de las nuevas generaciones.

Logros de una industria en marcha

La realización continua del Festival de Cine Fine Arts Hecho en RD trasciende la mera exhibición cinematográfica; se ha consolidado como un motor de desarrollo para el sector a través de logros tangibles:

• Dinamizador de la economía naranja. Al servir de vitrina privilegiada para la producción nacional, estimula el mercado de distribución local, incentiva nuevas inversiones al amparo de la Ley de Cine y promueve la sostenibilidad de las empresas productoras dominicanas.

• Puente formativo y relevo generacional. Las actividades académicas, talleres y conversatorios conectan directamente a los estudiantes con la industria activa, facilitando la inserción laboral de nuevos técnicos y creativos.

• Validación del cine de autor y de la diversidad de géneros. El festival se ha convertido en un ecosistema seguro para películas dominicanas independientes, dramáticas o documentales que exploran nuestra identidad y nuestras problemáticas sociales.

Un horizonte luminoso

Al revisar las “fotos del recuerdo” de esta sexta edición, el balance no puede ser más alentador. El cine dominicano ha dejado atrás la etapa de la infancia industrial para adentrarse con paso firme en la madurez artística.

El VI Festival de Cine Fine Arts Hecho en RD demuestra que la República Dominicana no solo es un destino idóneo para grandes producciones internacionales gracias a sus locaciones y ventajas fiscales, sino que también posee una voz propia, vigorosa, técnicamente competitiva y artísticamente valiente.

El festival se despide este año dejando una certeza: el talento local tiene asegurado un horizonte promisorio. Un porvenir en el que nuestras historias continuarán recorriendo el mundo con el sello inconfundible de nuestra calidad, nuestro ingenio y nuestra propia mirada.

Merece una congratulación especial el equipo de Caribbean Cinemas, responsable de hacer posible esta iniciativa, así como un reconocimiento al jurado del VI Festival de Cine Fine Arts Hecho en RD 2026.

El resultado final permite afirmar que el festival ya ha superado ampliamente sus metas iniciales.

Más que una muestra cinematográfica, se ha convertido en un espacio de validación, crecimiento y proyección para el cine nacional. Y, sobre todo, ha dejado sembrada una certeza: el mejor momento del cine dominicano no es el presente, sino el que está por venir.

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Este veredicto es personal; respeta y respalda el oficial. Solo aporta el punto de vista de un crítico. Es una opinión individual que, en algunos casos, se extiende a categorías que el jurado oficial no tiene establecidas y que ofrece razonamientos que rogamos sean estudiados. Como los miembros del jurado, en oportunidades nos tuvimos que definir por una de dos opciones que encontramos merecían ambas el primer lugar.

Los festivales de cine valen exactamente lo mismo que el peso de sus jurados.

El jurado del VI Festival de Cine Fine Arts Hecho en RD 2026 ha emitido su veredicto la noche de este pasado miércoles 3 de junio en un ceremonial de clausura en el cual se proyectó La corta vida de las flores, de Pablo Lozano, un veredicto que respaldamos y respetamos.

El jurado, presidido por Félix Manuel Lora e integrado por Dahiana Acosta (crítica de cine y presidenta de ADOPRESCI), Jeury Frías, Yoel Morales (cineasta emergente), Marc Mejía, Nolberto Batista e Ysidro García, ha emitido este veredicto:

• Mejor película: La corta vida de las flores, de Pablo Lozano.
• Mejor actriz: Judith Rodríguez (La corta vida de las flores).
• Mejor actor: Héctor Aníbal (La corta vida de las flores).
• Mejor guion: Juan Antonio Bisonó (La corta vida de las flores).
• Mejor director: Ulises Porra por la película Bajo el mismo sol.
• Mejor actriz secundaria: Valentina Shen Wu (Bajo el mismo sol).
• Mejor actor secundario: Jean-Jean (Bajo el mismo sol).
• Mejor documental: Boru, de Ronny Sosa.
• Mejor cortometraje: Mute, de Alerick Jiménez, del Instituto Tecnológico de Santo Domingo (INTEC).

Menciones de honor

Aquella primavera, de Mayra Poueriet, en Mejor Documental.

Última llamada, de Stef Peña, estudiante de la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD), en Mejor Cortometraje.

Sobre los veredictos

El veredicto de un jurado en un festival de cine tiene una importancia que va mucho más allá de la entrega de un trofeo. Para directores, actores y productores, constituye una validación profesional emitida por colegas y especialistas de alto nivel, capaz de influir en la distribución, la financiación de futuros proyectos, la carrera internacional de los artistas y la percepción crítica de una obra.

Es significativo el sentido cultural del veredicto, ya que establece cuáles películas serán consideradas relevantes en la historia del cine. Muchos filmes que hoy son clásicos comenzaron su prestigio gracias al respaldo de un jurado. Desde luego, esto no aplica de forma absoluta porque —como ya se sabe— también se otorgan premios inmerecidos y, cuando se dice esto, la mente suele referir un concepto: el Óscar.

Mis lauros

El siguiente veredicto es personal y  no cuestiona ni rechaza el resultado oficial ni se opone a la voluntad expresada. Solo aporta el punto de vista de un crítico que no fue parte del jurado 2026, el cual —ratificamos— respetamos y defendemos. Se trata de una opinión preferencial e individual que, en algunos casos, se extiende a categorías que el jurado oficial no tiene establecidas, tal vez como sugerencia para que la dirección del evento siga ampliando sus galardones (que iniciaron siendo la mitad de los actuales).

Es una propuesta para ampliar los casilleros y categorías a premiar. Se comprende que el jurado oficial tiene la responsabilidad de fallar de acuerdo con las bases, sin poder “crear” categorías que no existen o reconocimientos no establecidos.

Como los miembros del jurado, en oportunidades nos tuvimos que definir por una de dos opciones que merecían ambas el primer lugar, como el caso que veremos a continuación:

MEJOR PELÍCULA DRÁMATICA

Ganador: Melodrama (Dir. Andrés Farías). Se sitúa en medio de una realidad conflictiva, traumática y compleja para validar el amor como un sentimiento humano que no conoce diferencias ni barreras impuestas por el prejuicio o la creencia ideológicamente inoculada. Posee una belleza absoluta en su composición fotográfica y brinda la oportunidad de disfrutar de un ejercicio actoral inolvidable. Mercedes Morales deslumbra en su primer protagónico de cine cuando logra el milagro de actuar con rostro en silencio.  Es esta la única diferencia de fondo que tiene este laudo con el veredicto oficial, debido a que el drama de Pedro Lozano (que sigue a continuación) nos impactó notablemente, pero al valorar todos los elementos cinematográficos, la evaluación se inclina por el trabajo de Farías, sin el menor deseo de desmeritar la obra del equipo de la brevedad existencial floral del título que sigue y que perfectamente se pudo haber invertido el orden de premiación.

Primera mención de honor: La corta vida de las flores (Dir. Pablo Lozano). Es normal que exista siempre una película con el “ángel” de agradar tanto al público general como a los jurados. En este caso, es una cinta sin aparatajes logísticos ni inversiones extraordinarias; una obra que va al centro del conflicto humano y de pareja, planteando en voz baja circunstancias por las que muchos ya han pasado. Verlo expresado en la pantalla, con el equilibrio de sus componentes y el criterio de un talento del cine joven como Lozano, merece honor y una alta valoración.

Segunda mención de honor: La batalla de los Ángeles (Dir. Félix Germán). Teatro de nivel en cine de nivel. Un experimento que vincula la calidad del texto dramatúrgico de Federico García Lorca y el argentino Juan Carlos Gené. La película procede de la pieza teatral que Germán había montado anteriormente con la Compañía Nacional de Teatro, ahora con un elenco de lujo. Su cartel, creado por Jorge Pineda, merece una distinción como uno de los dos mejores presentados en el evento.

Tercera mención de honor: Bajo el mismo sol (Dir. Ulises Porra). Triunfa en el complicado desafío del cine de época. Nos traslada con verosimilitud a la era colonial, la de corsarios y filibusteros, y la de la lucha entre Francia y España por el control de La Hispaniola. Tres actores de nacionalidades diversas ofrecen una exposición interpretativa de la cual emanan el amor y la solidaridad en el fragor de la explotación colonial. Destaca el regreso notable de Jean-Jean, actor haitiano que ha producido aportes inolvidables a nuestro cine.

MEJOR COMEDIA

Ganadora: Entiérrenlo parao (Dir. Ronny Castillo). El guion de Miguel Yarull le otorga una alta categoría conceptual al género. Castillo, como director, supo redondear con precisión sus elementos y recursos.

MEJOR ACTOR PRINCIPAL

Ganador: Yasser Michelén por Qué más puedes hacerme. Michelén es un fenómeno artístico polivalente con presencia en cuatro de las películas del festival. Es increíble lo que logra en pantalla, sumado a sus lauros previos como director y actor de teatro. Un verdadero fenómeno.

Mención de honor: David Maler por La batalla de los ángeles.

Mención de honor: Héctor Aníbal por La corta vida de las flores.

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

Ganador: Víctor Ramírez por Bajo el mismo sol.

Menciones de honor: Vicente Santos por La batalla de los ángeles.

Jean-Jean por Bajo el mismo sol. 

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL

Ganador: Judith Rodríguez por La corta vida de las flores.

Mención de honor: Mercedes Morales por Melodrama.

Mención de honor: Valentina Shen Wu por Bajo el mismo sol.

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

Ganadora: Isabel Spencer por La corta vida de las flores.

Mención de honor: Lumy Lizardo por La batalla de los ángeles.

MEJOR GUION

Ganador: La corta vida de las flores.

Mención de honor: Melodrama.

Mención de honor: La batalla de los ángeles.

MEJOR DOCUMENTAL

Ganador: Boru (Dir. Ronny A. Sosa). El más resaltante de los documentales por el lazo binacional (Japón-RD) que presenta, al que suma una estructuración artística de altísimo nivel. Humor, gracia, historia y poesía dominicana en idioma japonés conforman una opción que se gana con creces este premio.

Mención de honor: Aquella primavera (Dir. Mayra Poueriet). Excelente producción de cine documental de parte de una cineasta y docente de la comunicación. El trabajo es una hermosa declaración de amor familiar que completa una verdad histórica sobre la participación de las mujeres en la Revolución Constitucionalista. La directora estrena voz propia y un estilo del cual se deduce la disciplina y las muchas jornadas de esfuerzo. El jurado oficial, con razón y justicia, le otorgó el lugar de mejor documental.

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SANTO DOMINGO. – A días de la apertura del evento cinematográfico que proyecta lo mejor de la nueva cosecha fílmica dominicana, casi toda ella a cargo de directores y directoras jóvenes, recorriendo los géneros de ficción y documental, y sus variantes en drama, comedia, thriller y otros modos de exposición, es propicio analizar qué tiene el peso suficiente como para captar la atención del público asistente.

El VI Festival de Cine Fine Arts Hecho en RD 2026, que inicia este jueves 28 y tendrá sus proyecciones en las salas 3, 4 y 5 de Downtown Center, ofrece, como es tradición, una selecta muestra de cine de autor, lo cual representará un considerable desafío para los jurados encargados de premiar lo mejor del certamen.

Quienes aman la calidad del cine dominicano cuentan con una amplia oferta. Entre los 16 filmes que hemos marcado como imperdibles del evento figuran: ¿Qué más puedes hacerme? (Félix Germán); La corta vida de las flores(Pablo Lozano); Bajo el mismo sol (Ulises Porra); La batalla de los ángeles (Félix Germán); Mi Les Paul(Francisco Valdez); Lo que puede ser mañana: La invasión (Óscar Evelio Gutiérrez) y La ventana (película ómnibus dirigida por siete jóvenes realizadores).

Entre los documentales destacan: Milvio, fotógrafo de la revolución (Milbert Pérez); Aquella primavera (Mayra Poueriet); Más allá del humo (Mariel Aponte); Bōru (Rony A. Sosa), sobre los vínculos históricos entre Japón y República Dominicana; y Life is Dream (Alex Rodríguez).

El caso de Melodrama

Pero hay películas trascendentes, películas fundamentales y… Melodrama (Andrés Farías), dicho desde la perspectiva de quien sabe lo que está diciendo. Es tiempo de reparar en una de esas producciones dominicanas llamadas a destacarse: Melodrama. Es cuando el arte logra hacer real lo que la realidad impide.

No hemos visto Melodrama y, por tanto, cuanto sustentamos sobre su calidad es una inferencia derivada de experiencias recogidas de la filmografía del director, de lo que apunta en términos de producción, del tráiler, del concepto al seleccionar los talentos actorales y de otros factores que, si bien no garantizan totalmente la calidad, sí apuntan en una dirección muy prometedora.

El drama romántico-social plantea la relación entre una viuda de clase media alta y un obrero haitiano de la construcción, con todo lo que ello implica en términos de discriminación racial, rechazo familiar y choque social.

Andrés Farías, quien ya había evidenciado su mirada penetrante en el drama social con tintes mágicos en Candela, apunta ahora a entregar una versión caribeña y renovada sobre las relaciones interraciales marcadas por diferencias socioeconómicas. Esto ocurre luego de realizar Tiznao (cortometraje de 2023), ganador del Festival Fine Arts en su categoría, y Candela, basada en la novela de Ray Andújar, cuya calidad reafirmó el valor del cine nacional apoyado en la literatura criolla.

El debate y la reflexión

Melodrama es una de esas películas que no dejarán indiferente a nadie. Su tema es polémico, más aún si se toma en cuenta la histórica relación de confrontaciones y conflictos generados por sectores dominantes de ambos países vecinos para fomentar distancia y aversión entre sus pueblos.

Esa diferencia social y racial, pasada por el prisma imaginativo del cine, junto al empeño interpretativo que deja ver el avance y el debut de una artista de la escena que hasta ahora solo se había destacado en la danza, alimenta la esperanza de estar ante una producción de profundo mensaje humano y social.

Todo parece indicar que será el plato fuerte de la cartelera del VI Festival Fine Arts Hecho en RD, sin desmerecer otros proyectos que evidencian el nuevo poder creativo de los jóvenes directores dominicanos.

Datos prácticos

El costo de la boleta por persona es de 450 pesos. Las proyecciones de los 16 largometrajes y 22 cortometrajes se realizarán en las salas 3, 4 y 5 de Downtown Center. Aunque algunas personas consideran que estas salas son pequeñas, en realidad —con excepción de la sala 5— cuentan con más asientos que el promedio de las salas del complejo Fine Arts Novo Centro, actualmente conocido como VIP Novo Centro.

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Hablar de madres en el cine dominicano termina siendo también una forma de hablar del país.

De barrios donde muchas mujeres crían solas a sus hijos. De familias separadas por la migración. De abuelas que terminan criando nietos. De niñas demasiado jóvenes enfrentando embarazos para los que nadie las preparó. De mujeres que trabajan tanto cuidando a otros que apenas tienen tiempo para cuidar de sí mismas y claro, sobre madres emprendedoras y luchadoras.

Y quizá por eso tantas películas dominicanas han encontrado en la maternidad uno de sus temas más honestos.

Durante mucho tiempo, gran parte del cine internacional —desde Hollywood hasta Europa y América Latina— presentó a las madres como figuras casi intocables: pacientes, sacrificadas y emocionalmente inquebrantables.

Películas como Todo sobre mi madre (1999), de Pedro Almodóvar, ayudaron a cambiar esa mirada. La cinta mostró la maternidad desde el dolor, el perdón y la solidaridad entre mujeres. Luego llegaron historias como Erin Brockovich (2000), donde una madre soltera enfrentaba a una enorme corporación mientras intentaba sostener a sus hijos, o Mother (Ma-deo) (2009), del coreano Bong Joon-ho, que llevó el instinto maternal hacia lugares mucho más oscuros y obsesivos. Claro, todo esto evitando abordar el cine clásico y títulos como Stella Dallas del 1937 donde vemos a una madre de clase trabajadora, imperfecta y extravagante, que decide renunciar por completo a su hija y desaparecer de su vida para asegurar que la joven tenga el futuro digno y de alta sociedad que ella nunca le pudo dar.

El cine dominicano, aunque todavía joven como industria, también comenzó a alejarse de la madre perfecta.

Ahora vemos mujeres cansadas, contradictorias, impulsivas, heridas o emocionalmente agotadas. Madres que aman profundamente a sus hijos, pero que también cargan culpa, rabia, miedo o frustración.

Y eso probablemente hace que muchas de estas historias conecten tanto aquí.

Porque varias de estas películas no se sienten lejanas. Se parecen demasiado a cosas que todavía pasan todos los días.

A continuación, recordaré varias películas que han abordado la maternidad desde distintos ángulos: la pobreza, el abandono, la violencia, la culpa, la adolescencia, la migración y hasta la necesidad de encontrar afecto en medio del caos.

1. Madres enfrentadas a la pobreza y la supervivencia

La lucha de Ana (2012)

La lucha de Ana (2012) Director: Bladimir Abud

Pocas películas dominicanas retratan el dolor de una madre con tanta intensidad como La lucha de Ana. La historia sigue a Ana, una humilde vendedora de flores de Santo Domingo que cría sola a su hijo adolescente. Su vida cambia para siempre cuando el joven muere accidentalmente a manos del hijo de un poderoso político.

Lo interesante de la película es que Ana nunca parece una heroína tradicional. Se siente como una mujer común empujada al límite.

No tiene dinero, influencia ni poder político. Solo tiene dolor. Y la necesidad desesperada de no dejar que la muerte de su hijo termine olvidada.

La película golpea porque muestra una realidad dolorosamente cercana: madres dominicanas obligadas a enfrentarse a estructuras corruptas mientras sobreviven económicamente día tras día.

Más que una historia sobre justicia, la película termina siendo el retrato de una madre que simplemente se niega a rendirse.

Nana (2015)

Nana (2015) Directora: Tatiana Fernández Geara

Uno de los documentales más sensibles y dolorosos del cine dominicano reciente.

Nana sigue las vidas de varias mujeres que abandonan el campo y a sus propios hijos para trabajar en Santo Domingo cuidando niños de familias adineradas. La contradicción emocional es devastadora: madres pobres que deben entregar cariño, tiempo y protección a hijos ajenos mientras los suyos crecen a la distancia.

Tatiana Fernández Geara evita exagerar el drama. Y precisamente por eso la película duele más.

Porque muchas de esas historias todavía forman parte de la realidad dominicana.

No hay grandes discursos ni dramatizaciones exageradas. Solo cansancio, nostalgia y una tristeza cotidiana que atraviesa toda la película.

Lo más duro es que la película no necesita exagerar nada. Muchas de esas historias siguen pasando todos los días.

Sugar Island (2025)

Sugar Island (2025) Directora: Johanné Gómez Terrero

Ambientada en un batey azucarero, Sugar Island cuenta la historia de Makenya, una adolescente afrodescendiente que enfrenta un embarazo no deseado mientras lidia con la precariedad, la explotación laboral y las herencias espirituales de su comunidad.

La película mezcla realismo social con elementos místicos y culturales afrocaribeños, creando una experiencia profundamente sensorial.

Aquí la maternidad no aparece como un sueño romántico, sino como una consecuencia de la desigualdad estructural.

La protagonista todavía es una niña intentando sobrevivir en un entorno donde el futuro parece escrito por la pobreza y el abandono histórico.

Ramona (2023)

Ramona (2023) Directora: Victoria Linares Villegas

Hay escenas en Ramona que resultan imposibles de olvidar.

La película sigue a una actriz que investiga la vida de adolescentes embarazadas para interpretar a una joven madre de quince años. A través de testimonios reales, el filme retrata niñas que todavía juegan, ríen y sueñan como adolescentes, mientras cargan con responsabilidades adultas demasiado pronto.

Victoria Linares Villegas retrata algo incómodo pero real: adolescentes que todavía están tratando de entenderse a sí mismas mientras ya tienen que criar a otro ser humano.

Y ahí está probablemente lo más incómodo de Ramona: muchas de las historias que aparecen en la película todavía forman parte de la realidad dominicana.

2. Madres ausentes, heridas y relaciones rotas

Rafaela (2021)

Rafaela (2021) Director: Tito Rodríguez

Cruda, violenta y emocionalmente desgarradora.

Rafaela narra la vida de una joven líder de pandilla en un barrio marginado de Santo Domingo. Detrás de la violencia callejera y la agresividad de la protagonista existe una herida mucho más profunda: la ausencia de una madre protectora.

Rafaela da la impresión de haber crecido sola. Y esa sensación explica muchas de las decisiones violentas que toma durante la película.

Rafaela no solo busca sobrevivir; también busca amor, reconocimiento y pertenencia en un mundo donde nadie parece haberla protegido jamás.

Uno termina entendiendo que muchas de las decisiones de Rafaela vienen de haber crecido sintiéndose sola.

La hija natural (2011)

La hija natural (2011) Directora: Leticia Tonos

La directora Leticia Tonos construye una historia íntima y silenciosa sobre el duelo.

Tras la muerte de su madre en un accidente, María queda completamente sola y decide emprender un viaje para encontrar al padre que nunca conoció.

Aunque la figura materna desaparece físicamente desde el inicio de la película, su ausencia domina emocionalmente toda la historia.

La protagonista intenta reconstruirse mientras descubre que perder a una madre también significa perder parte de la propia identidad.

Más que buscar a su padre, da la impresión de que María está intentando entender quién es después de perder a su madre.

Dossier de ausencias (2024)

Dossier de ausencias (2024) Director: Rolando Díaz

Basada en hechos reales, Dossier de ausencias probablemente sea una de las películas más incómodas de toda esta lista.

La historia sigue el caso de Moraima Laseter Guzmán, una niña dominicana entregada en adopción a una familia extranjera y luego abandonada nuevamente en República Dominicana cuando apenas tenía 11 años.

Lo más duro de la película no es solo el abandono. Es la sensación de que Moraima nunca terminó de pertenecer a ningún lugar.

No hablaba español, sus padres biológicos vivían en pobreza extrema y terminó sobreviviendo prácticamente sola en una zona rural de Jarabacoa.

La película también muestra algo poco discutido en el país: las consecuencias humanas de los vacíos legales y las adopciones irregulares.

Y quizá eso es lo que hace que el documental golpee tanto.
No parece una historia lejana ni excepcional. Parece uno de esos casos que pudieron pasar desapercibidos durante años.

El impacto del caso real fue tan grande que terminó influyendo en reformas legales relacionadas con la protección de niños, niñas y adolescentes en República Dominicana.

Reinbou (2017)

Reinbou (2017) Director: David Maler

Con una estética poética y melancólica, Reinbou aborda el abandono y la fragilidad emocional de la infancia.

La historia sigue a un niño que vive rodeado de pérdidas, silencios y carencias afectivas.

La película muestra cómo la ausencia materna deja marcas invisibles que acompañan toda la vida.

Más que hablar directamente de madres, habla de los vacíos emocionales que dejan.

3. Maternidad, conflicto generacional y heridas familiares

Madre: A dos centímetros de ti (2025)

Madre: A dos centímetros de ti (2025) Directora: Desirée Díaz Silva

Una de las representaciones más intensas sobre maternidad intergeneracional en el cine dominicano reciente.

Helena regresa a Barahona después de diez años para intentar recuperar a su hija, quien ha sido criada por la abuela durante todo ese tiempo.

El reencuentro desata resentimientos acumulados, heridas abiertas y silencios familiares que nunca sanaron.

Desirée Díaz Silva construye un conflicto que probablemente muchas familias dominicanas entiendan demasiado bien: madres e hijas que se quieren, pero que llevan años acumulando silencios y resentimientos.

La película entiende algo profundamente humano: a veces las familias se aman, pero aun así se destruyen.

La nieta de mi abuela (2026)

La nieta de mi abuela (2026) Directora: Tatiana Fernández Geara

Este documental íntimo analiza el legado emocional entre generaciones de mujeres.

A través de recuerdos familiares y conversaciones honestas, Tatiana Fernández Geara explora cómo los silencios, las heridas y las formas de amar pasan de madres a hijas y luego a nietas.

La película se siente muy personal, casi como una conversación familiar que alguien decidió grabar.

No necesita grandes conflictos externos porque toda la tensión vive dentro de la memoria familiar.

Habla de la soledad femenina, de la herencia emocional y del peso invisible que muchas mujeres cargan durante toda la vida.

Miriam miente (2018)

Miriam miente (2018) Directores: Natalia Cabral y Oriol Estrada

Miriam miente retrata una forma distinta de maternidad: la maternidad controladora, obsesionada con las apariencias y atrapada en los prejuicios sociales.

Mientras organiza obsesivamente la fiesta de quince años de su hija, la madre de Miriam intenta mantener intacta una imagen de perfección burguesa.

Cuando descubre que el supuesto novio de su hija es negro, emergen el racismo silencioso y las tensiones de clase.

Lo interesante es que la madre de Miriam cree que está protegiendo a su hija, aunque muchas veces termine haciéndole daño.

Melodrama (2026)

Melodrama (2026) Director: Andrés Farías

Esta película rompe uno de los grandes tabúes culturales latinoamericanos: la idea de que una madre deja de tener deseos, emociones o vida propia después de criar hijos.

Sonia atraviesa un duelo emocional mientras intenta reconstruir su vida sentimental. Sin embargo, su hija adulta y amigos reaccionan con rechazo y juicio constante.

La película toca un tema del que casi no se habla: muchas veces los hijos adultos también terminan juzgando la vida emocional de sus madres.

Es una historia sobre libertad emocional, envejecimiento y dignidad femenina.

4. Madres en contextos extremos

Carpinteros (2017)

Carpinteros (2017) Director: José María Cabral

Aunque es conocida principalmente como una historia de amor carcelaria, Carpinteros también retrata una realidad poco mostrada en el cine: mujeres embarazadas y madres dentro del sistema penitenciario.

Las internas deben criar temporalmente a sus bebés en condiciones violentas y emocionalmente devastadoras.

La película muestra cómo incluso dentro de la cárcel las mujeres continúan cargando el peso emocional de la maternidad.

El amor maternal sobrevive incluso en los espacios más hostiles.

Bantú Mama (2021)

Bantú Mama (2021) Director: Iván Herrera

Una mujer extranjera perseguida por la policía encuentra refugio en Capotillo junto a varios niños huérfanos.

Poco a poco, sin planearlo, se convierte en su figura protectora.

Lo más interesante de Bantú Mama es que la película nunca intenta definir qué significa exactamente ser madre.

Simplemente muestra cómo el cuidado, el afecto y la protección también pueden construir una familia.

Al final, la película termina preguntándose qué significa realmente cuidar a alguien.

La cigüeña (2024)

La cigüeña (2024) Director: Alejandro Andújar

Esta película aborda uno de los debates más complejos y polémicos de los últimos años: la gestación subrogada.

A través de mujeres vulnerables económicamente que alquilan sus vientres para familias adineradas, el filme explora las tensiones entre necesidad económica, apego emocional y maternidad biológica.

La película plantea preguntas incómodas:

¿Puede una madre separarse emocionalmente de un hijo después de llevarlo nueve meses en su cuerpo?

¿Dónde termina el contrato y dónde comienza el vínculo humano?

Niñas Escarlata (2026)

Niñas Escarlata (2026) Directora: Paula Cury

Probablemente una de las propuestas más duras y políticas sobre maternidad en el cine dominicano.

El documental analiza las consecuencias físicas y emocionales de la maternidad forzada en un país donde el aborto sigue completamente penalizado.

A través de testimonios reales, mujeres relatan embarazos inviables, riesgos médicos extremos y traumas psicológicos.

Más allá del debate político, la película deja claro el impacto físico y emocional que estas decisiones tienen sobre muchas mujeres.

5. Madres, neurodivergencia y sacrificio emocional

Lo que siento por ti (2018)

Lo que siento por ti (2018) Director: Raúl Camilo

Basada en hechos reales, esta película contiene una de las representaciones más sensibles sobre maternidad y neurodivergencia en el cine dominicano.

Ana es una madre soltera que cría sola a sus hijos con autismo después de ser abandonada por su esposo.

La película funciona porque no convierte a Ana en una figura perfecta.

La vemos cansada, frustrada y sobrepasada muchas veces. Y eso hace que todo se sienta mucho más real.

Pero también retrata algo profundamente hermoso: la resistencia emocional de una madre que se niega a rendirse.

Muchas madres probablemente van a sentirse identificadas con el cansancio y la frustración que muestra la película.

Milly (2026)

Milly (2026) Directora: Leticia Tonos

La película biográfica sobre Milly Quezada explora no solo el ascenso de una estrella del merengue, sino también el peso emocional de ser madre mientras se vive constantemente de gira.

Entre escenarios, viajes y sacrificios, la película retrata la culpa materna y las complejas dinámicas familiares detrás del éxito artístico.

Muchas mujeres dominicanas se verán reflejadas en esa necesidad dolorosa de elegir entre el sustento económico y la presencia emocional.

Conclusión

El cine dominicano, una industria relativamente joven pero cada vez más madura y arriesgada, está transformando profundamente la manera en que entendemos la maternidad.

Ya no se limita a mostrar madres perfectas o eternamente sacrificadas. Ahora aparecen mujeres más reales: agotadas, confundidas, fuertes en algunos momentos y completamente rotas en otros.

Estas películas hablan de pobreza, violencia, racismo, abandono, migración, trauma y supervivencia. Pero también hablan de amor.

Un amor imperfecto, cansado y profundamente humano.

Y quizá ahí está lo más interesante de todas estas películas: hablan de maternidad, sí, pero también de cómo vivimos, sobrevivimos y nos relacionamos en República Dominicana.

Porque en cada madre retratada en pantalla existe también una parte de la historia social del país.

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SANTO DOMINGO. – Se acerca el momento de apertura del VI Festival Fine Arts Hecho en RD y, como para el público será imposible ver las 38 producciones de la cartelera (16 largometrajes y 22 cortos), es una tarea fundamental del crítico orientar en torno a las propuestas que presentan las mayores credenciales de calidad cinematográfica.

Esta selección evidencia que el festival ha dejado de ser únicamente una plataforma de exhibición para consolidarse como el termómetro definitivo de las corrientes estéticas del país, donde el riesgo formal, el valor del documento histórico y la madurez interpretativa son los verdaderos protagonistas de la pantalla.

Entre los 16 largometrajes programados, destacan varios títulos por su altísima proyección de calidad y su evidente búsqueda de un lenguaje autoral riguroso, distanciado de las fórmulas estrictamente comerciales. Con producciones que desafían la mirada convencional, esta edición se erige como el testimonio de que nuestro cine ha dejado de ser una promesa para convertirse en una contundente realidad.

La inauguración oficial será el jueves 28 de mayo con el filme ¿Qué más puedes hacerme?, y la clausura, el miércoles 3 de junio, estará a cargo de La corta vida de las flores, un drama de Pablo Lozano.

El festival es montado por Caribbean Cinemas, con el auspicio principal de la empresa de telecomunicaciones Altice, que lo ha apoyado desde su nacimiento en 2021, bajo la dirección general de Zumaya Cordero por Caribbean Cinemas y el patrocinio principal de Altice.

La sexta edición del festival evidencia la consolidación del drama social e intimista, una mayor presencia del documental de memoria histórica, el crecimiento de las directoras y las narrativas femeninas, una reducción de la comedia comercial tradicional y un incremento notable del cine de búsqueda estética.

Lo imperdible

Para orientar en la clasificación de “imperdible”, nos guiamos por la calidad autoral de los directores, el balance crítico de su filmografía, la consistencia de sus talentos interpretativos y la cualificación de sus guionistas; elementos que arrojan indicios claros de lo que es digno de nuestro tiempo en la sala oscura.

¿Qué más puedes hacerme?

Ficción. El director Félix Germán echa mano de Yasser Michelén, Marta González y Dalisa Alegría para narrar la vida de Eugenio, un poeta marcado por profundas pérdidas personales y el abandono. Tras sufrir un accidente que altera drásticamente su realidad y lo lleva a habitar los márgenes sociales como un vagabundo, encuentra una vía de redención a través del amor y la compasión.

Félix Germán pertenece a la generación de realizadores y hombres de teatro que han elevado el nivel interpretativo del cine dominicano. Germán revalida aquí su inclinación por dramas de fuerte calado psicológico y densidad lírica, donde el uso de la figura del poeta funciona como vehículo para explorar la vulnerabilidad humana. Su dirección apunta a un cuidado estético riguroso y a un manejo de actores de corte intimista, un sello persistente en la filmografía del realizador.

La corta vida de las flores

Ficción. Pablo Lozano —quien nos entregó el documental De Sicilia a Santo Domingo—, proveniente del área de producción de notables películas de autor como Candela y Pepe, ofrece su primer proyecto cinematográfico de ficción. Para ello, apela a un elenco estelar: Héctor Aníbal, Judith Rodríguez, Lidia Ariza, Yasser Michelén e Isabel Spencer, construyendo un drama de corte romántico y existencial que entrelaza la fragilidad de las relaciones afectivas con metáforas sobre la fugacidad del tiempo.

Lozano propone una puesta en escena de atmósfera sugerente. La conjunción de Judith Rodríguez y Héctor Aníbalasegura una intensidad dramática donde el subtexto y los silencios pesan tanto como el diálogo, consolidando un cine que confía plenamente en la madurez interpretativa y en la poética visual.

Milvio

Este documental, dirigido por Milbert Pérez, se enfoca en la vida y obra de Milvio Pérez, uno de los principales fotógrafos de la Revolución Constitucionalista de 1965, constituyéndose en una pieza fílmica de alto valor artístico e histórico. El trabajo permite al espectador adentrarse en la labor de un testigo excepcional, gracias a quien se registró la memoria gráfica de la gesta patriótica.

El personaje y el tema escogidos por el director están fuera de cuestionamiento por su peso histórico indudable, logrando transmitir con fuerza estética una verdadera clase de historia de la República Dominicana, documentalmente sostenida.

Aquella primavera

Documental (Mayra Poueriet). Es una búsqueda por reconstruir lo que se desvanece: los recuerdos personales de una combatiente y la memoria colectiva de un país que, por décadas, minimizó la participación de la mujer en su historia armada y política. Por medio de testimonios íntimos, el filme rescata una verdad relegada y abre un diálogo intergeneracional sumamente necesario sobre el olvido, la resistencia de género y la urgencia de recordar. Esta es la única de las producciones que hemos visto.

Bajo el mismo sol

Este largometraje de ficción, dirigido por Ulises Porra, es un drama de carácter histórico y social que explora las tensiones fronterizas y la identidad cultural en la isla, estructurado bajo una mirada analítica que desafía los discursos convencionales.

La trama nos sitúa en 1819, donde un joven heredero español, una tejedora china y un desertor haitiano luchan por encontrar su lugar y su humanidad en el tenso cruce de culturas del Caribe colonial, mientras se embarcan en la ambiciosa empresa de establecer una fábrica de seda en pleno corazón de La Española.

El cine de Ulises Porra destaca por su precisión técnica y su compromiso ético ante realidades complejas. Al ser una coproducción entre República Dominicana y España, se percibe una ambición estilística internacional que prioriza la hondura del conflicto humano por encima de los maniqueísmos.

Melodrama

Dirigida por Andrés Farías, nos presenta a Sonia, una viuda dominicana que se ve obligada a vender la casa de toda su vida para mudarse a un pequeño apartamento frente al mar Caribe. La transición la abruma, pero todo cambia cuando conoce a Aimé, un obrero haitiano que trabaja en el edificio vecino en construcción.

Sonia y Aimé entablan una fuerte conexión y comienzan una relación amorosa a la cual su entorno se opondrá. Se trata de una propuesta que subvierte los códigos tradicionales del género dramático caribeño para sumergirse en una estética estilizada, nocturna y marcadamente urbana, donde los personajes deambulan entre el desencanto y el deseo.

Andrés Farías, director de Candela (2020), uno de los títulos fundamentales de la filmografía dominicana, reconocido por su estilo visual audaz, utiliza el concepto del melodrama de forma irónica y deconstructiva, apoyado en una cuidada dirección de arte y un uso expresivo de la iluminación cromática que sitúa al filme en los terrenos del cine de autor más vanguardista de la región.

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En la industria del cine, las oportunidades no desaparecen.
Simplemente cambian de país.

Mientras algunos territorios dudan, ajustan o limitan sus incentivos, otros avanzan. Y en ese juego, República Dominicana ha aprendido a moverse mejor que muchos.

El caso más reciente lo deja claro.
La esperada producción liderada por Residente y protagonizada por Bad Bunny, inspirada en una historia profundamente puertorriqueña, no se filmará en Puerto Rico.

Se filmará en República Dominicana.

No por casualidad.
Por condiciones.

Porque en esta industria, el talento puede ser de un país… pero la inversión va donde le conviene.

Y ahí es donde entra la diferencia.

Mientras Puerto Rico enfrenta límites en sus incentivos y estructuras que frenan megaproyectos, República Dominicana, con la Ley de Cine 108-10 y especialmente el Artículo 39, ha construido un sistema diseñado exactamente para lo contrario: atraer, facilitar y competir.

No es un caso aislado.
Es un patrón.

Y lo interesante es que esta historia no empezó ahora.

Mucho antes de que existiera una ley, el país ya estaba haciendo algo que hoy define su estrategia: aprovechar lo que otros no podían.

En los años 70, cuando Cuba quedó fuera del mapa para Hollywood, Santo Domingo se convirtió en su doble inesperado. El Padrino Parte II utilizó la Zona Colonial para recrear una Habana inaccesible en ese momento.

No era el plan original.
Pero funcionó.

Y dejó una lección clara:
cuando un país pierde una oportunidad, otro la toma.

Décadas después, la diferencia es que República Dominicana dejó de improvisar… y empezó a competir en serio.

Con la implementación de la Ley de Cine 108-10, el país transformó esa intuición en estrategia. Y con el Artículo 39, creó uno de los incentivos más atractivos de la región para producciones internacionales.

Los números no solo lo respaldan. Lo confirman.

Desde la implementación de la ley hasta abril de 2026, el país ha acogido más de 420 producciones internacionales. Solo en marzo, según el portal de la DGCINE, los proyectos en rodaje y preproducción superaron los RD$7,346 millones.

Un solo mes.

No es un pico. Es una dinámica constante.

En 2022, hubo 65 producciones extranjeras.
En 2023, 44 proyectos generándo millones de divisas entrante al país.
En 2024, otras 33 producciones continuaron ese ritmo.

Esto ya no va solo de cine.

Va de empleo, turismo, divisas y economía real.

Va de hoteles llenos, equipos técnicos trabajando, transporte en movimiento y comunidades enteras beneficiándose de cada rodaje.

Por eso hoy, gigantes como Netflix, Disney, Paramount, MGM y NBC Universal no llegan por curiosidad. Llegan porque el país funciona.

Películas como The Lost City, Shotgun Wedding o Arthur the King han utilizado en los últimos años locaciones dominicanas para contar historias globales. Series como Narco-Saints o Machos Alfa han hecho lo mismo en plataformas de streaming.

Y luego están los realities, que son una máquina constante:

Survivor, en múltiples versiones internacionales,
Exatlón, con presencia casi permanente,
La Isla de las Tentaciones, Too Hot to Handle, El Conquistador…

No llegan una vez.
Regresan.
Invierten.
Se quedan.

Pero esto no ocurre en un vacío.

El mundo entero está compitiendo por lo mismo.

Chile y Costa Rica ya avanzan en acuerdos de coproducción para compartir incentivos.
Brasil anunció un presupuesto récord de 280 millones de dólares para su industria audiovisual.
Perú acaba de lanzar su nueva Ley de Cine con incentivos fiscales y promoción internacional activa.

Colombia ha visto crecer su inversión en cine en un 1700% en solo dos años.
Uruguay fortalece herramientas para atraer rodajes extranjeros.
España se mantiene como uno de los destinos más competitivos de Europa con incentivos regionales agresivos.

Esto es una competencia global.

Y cada decisión cuenta.

Por eso, el proyecto de Residente y Bad Bunny importa tanto.
No solo por quiénes están involucrados, sino por lo que representa:

visibilidad global,
impacto mediático,
marca país.

Porque cuando una producción de ese nivel elige dónde filmar, no solo mueve dinero.
Mueve atención.
Mueve narrativa.
Mueve percepción internacional.

Y esta vez, esa historia se está contando desde República Dominicana.

Mientras tanto, otros países miran cómo esa oportunidad —una más— se fue.

Porque en esta industria, si no estás listo… alguien más lo está.

Al final, no se trata solo de cine.

Se trata de entender el momento, crear las condiciones correctas y competir sin miedo.

República Dominicana lo entendió.
Y lo está capitalizando.

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